Avern: «Puede que ‘Unique and Eternal’ sea algo más introspectivo y personal que los anteriores discos precisamente por todo lo que hemos vivido»

La escena del death metal melódico en Barcelona sigue sumando propuestas de enorme calidad, y Avern es una de esas bandas que ha sabido forjar su propio camino gracias a una identidad musical marcada por la intensidad, la melodía y una cuidada composición. Tras consolidar su nombre en el panorama nacional, los catalanes están preparados para abrir un nuevo capítulo con "Unique and Eternal", un álbum que supone un importante paso adelante en su evolución artística y que promete conquistar tanto a sus seguidores como a los amantes del metal extremo con tintes melódicos.

Con motivo del lanzamiento de "Unique and Eternal", en Confined Rock! hemos querido hablar con Avern para conocer todos los detalles detrás de este nuevo trabajo. En esta entrevista repasamos el proceso de composición y grabación del disco, la evolución de la banda desde sus anteriores lanzamientos, sus influencias, la actualidad de la escena metalera y los retos que afrontan en esta nueva etapa.

Si queréis descubrir todo lo que se esconde tras "Unique and Eternal" y conocer de primera mano la visión de una de las bandas más prometedoras del metal barcelonés, no os perdáis la siguiente entrevista con Avern.

La trayectoria de Avern se inició con una declaración de principios muy contundente, definiéndose estilísticamente a través de la herencia del black metal de Bathory y el hardcore crudo de Poison Idea. Con la perspectiva que otorga estar a las puertas de editar vuestro tercer álbum de estudio, ¿cómo valoráis la vigencia de ese postulado fundacional y de qué manera ha cambiado vuestra forma de entender la crudeza sonora en vuestras composiciones actuales?

(Enric Bergadà) Lo valoramos muy positivamente porque fue el inicio de un camino. Era una mezcla que surgía de forma natural en nosotros, una unión de varios géneros en los que siempre nos hemos sentido cómodos y con los que hemos convivido desde el principio. Todo podía encajar. Era la sensación de que no existían límites a la hora de crear, una especie de apertura que nos permitía explorar sin condicionantes.

Al principio no había nada demasiado definido. Fue después cuando surgió la necesidad de describir nuestra música con referencias que ayudaran a entender de dónde veníamos, aunque esas referencias podrían ser muchas... Era una forma de decir: «Sí, joder, es esto». Evidentemente no inventamos nada, pero sí encontramos una manera honesta de expresarnos.

La crudeza la seguimos entendiendo como algo que nos sale de forma natural, tanto en el sonido como en la composición. Supongo que tiene que ver con nuestra técnica y nuestra manera de tocar, de construir los riffs: sencillos, cortantes y directos. Nunca ha sido algo forzado ni una decisión consciente. Quizá sea una virtud. Muchas veces, menos es más, aunque al final eso también es algo totalmente subjetivo.

Sí es cierto que las composiciones han evolucionado con el tiempo, sobre todo en los detalles y los arreglos. También han ido ganando en duración. Aun así, la filosofía a la hora de estructurarlas sigue siendo la misma: intentamos escribir buenas canciones, con personalidad propia, que puedan distinguirse unas de otras y que cada una aporte algo diferente y fresco, sin perder la coherencia dentro del conjunto, con sus estribillos, sus dinámicas y esas partes que permiten que el tema respire.

Al final es lo que siempre hemos admirado de las grandes bandas que nos han acompañado toda la vida: más allá del estilo o de la complejidad, han sabido escribir canciones que se quedan en tu cabeza, y nuestra humilde intención es esa.

El nombre de la banda, "Avern", tiene una raíz muy vinculada a la lengua catalana y evoca directamente el destino de las almas que caen en pecado. Al mirar atrás, hacia vuestros primeros años de actividad en Hospitalet y Molins de Rei, ¿hasta qué punto el paisaje industrial, gris y a menudo hostil del área metropolitana de Barcelona ha moldeado la temática sombría y la visión desencantada de vuestras letras?

(Enric Bergadà) Avern, en catalán, proviene de la palabra griega "Áornos", pasando por el latín "Avernus" de los romanos. Era considerado un portal terrenal hacia el inframundo (Hades), un lugar físico desde el que, según la mitología, se accedía al reino de los muertos. Allí existía el Tártaro, pero también el paraíso, entre otros lugares. Mucho tiempo después, el cristianismo reinterpretó ese concepto y lo convirtió en un lugar asociado únicamente a la oscuridad, las tinieblas y el castigo, con su visión del cielo y el infierno.

En otras bandas que hemos tenido, igual sí había una influencia más directa del entorno. Pero en Avern no tanto. Más que el paisaje o el ambiente industrial que nos rodea, lo que nos ha inspirado y atraído es el lado más sombrío e inconsciente del ser humano. Avern nace de sensaciones, emociones, sombras, atmósferas y misterio. Ese paisaje puede formar parte del contexto en el que vivimos, pero no es el origen de nuestras letras. Con los años, quizá tendemos más a mirar hacia el interior que hacia el exterior.

Las influencias personales de los integrantes de la banda son sumamente ricas y heterogéneas. Javi, por ejemplo, ha mencionado que su fascinación por la música comenzó a los siete años con una cinta de Europe, y que entre sus grandes hitos en directo figuran la reunión de Kiss en 1997 o la gira de Iron Maiden junto a My Dying Bride en 1995. ¿De qué manera este bagaje tan enraizado en el hard rock clásico y el heavy metal tradicional de los años ochenta y noventa ayuda a estructurar canciones que, en última instancia, se ejecutan bajo los códigos del metal extremo?

(Enric Bergadà) El bagaje lo es todo, en todos los sentidos. Y todos los miembros de Avern tenemos el nuestro a nivel personal: nuestros gustos, nuestras influencias y todo aquello que hemos ido absorbiendo desde muy pequeños. Muchas de ellas coinciden y eso acaba reflejándose en el resultado final. En mi experiencia, por ejemplo, nací en el 86 y cuando tenía siete años estaba haciendo cola para que Sangtraït me firmara su disco “Contes i llegendes” del 93, también estuve en el 95 viendo a AC DC presentando Ballbreaker, o viendo a Jimmy Page y Robert Plant en el Palau d'Esports con nueve años. Esas cosas te marcan de por vida.

La influencia del rock, el punk y el metal más primigenio es enorme, sin duda. Es la base. Pero después todo eso también se mezcla con subestilos posteriores y más extremos, como podrían ser el primer thrash, el black metal, el death metal clásico, el sludge metal o el crust punk; estilos más cercanos a nuestra generación.

Un ejemplo claro de esa influencia más clásica está en la batería. Hasta el momento no hemos utilizado doble pedal de bombo, algo que probablemente emplea el 80 % de las bandas de metal extremo, y esa decisión tiene consecuencias directas en el sonido: un sonido más cercano al punk, al hard rock, al proto-metal y al heavy clásico de los 70.

Algo muy importante y clave para nosotros es que todo gira en torno al riff, más que a las melodías vocales o a los arreglos complejos. Construimos las canciones alrededor de un motivo de guitarra reconocible, pesado y con personalidad; una herencia directa de bandas como Black Sabbath, Discharge o Motörhead. Después aparece la voz gutural cavernosa de Javi y el sonido distorsionado, agresivo y poderoso de las cuerdas, y todo adquiere otra atmósfera. Más extrema. Más oscura.

“Unique and Eternal” se presenta bajo una paradoja inspirada en los mitos del fénix griego y egipcio: la idea de que todo parece permanecer igual en el universo de la banda, pero en realidad nada se queda inmóvil. Considerando que mantienéis la misma alineación y los mismos colaboradores técnicos desde vuestros inicios, ¿cuáles han sido los cambios internos más profundos que habéis experimentado durante la composición de este nuevo material?

(Enric Bergadà) Durante estos últimos tres años hemos vivido experiencias personales realmente intensas y transformadoras, que dejan una herida, pero te hacen ver las cosas desde otra perspectiva e implican una evolución. Sucesos como el fallecimiento de una persona amada, el fin de una relación sentimental, el abandono de rutinas y trabajos, tiempos de reflexión, viajes en solitario, etc. Nos han pasado cosas emocionalmente muy relevantes que nos han afectado a nivel personal y, de manera inevitable, también a la banda, tanto a la hora de escribir letras como de imaginar nuevos caminos y conceptos artísticos para este álbum.

Puede que este disco sea algo más introspectivo y personal que los anteriores precisamente por todo lo que hemos vivido. Además, supone el cierre de una trilogía, así que también representa el final de una etapa para nosotros.

Recuerdo perfectamente el día en que Letxon trajo la letra de "Unique and Eternal", inspirada en el renacer del ave fénix y vinculada a una de esas experiencias personales. Fue un momento revelador. La vida nos lleva por determinados senderos y, al final, todo eso acaba reflejándose en nuestro proyecto.

De manera natural, aunque también consciente, intentamos conservar nuestra esencia mientras buscamos matices distintos según el momento que estamos viviendo. Y, si te digo la verdad, no sé hasta qué punto controlamos ese proceso. Es un poco como el tarot: la carta sale al azar, pero tú la acabas llevando a tu propia vida. Todo se va moldeando según va surgiendo y, cuando miras atrás, acaba teniendo bastante sentido.

Las sesiones de grabación de este disco en Sonic Riot Studio concluyeron con un sonido definido como "orgánico, pesado y honesto", defendiendo el uso de baterías reales y amplificadores analógicos de válvulas. Paco, al estar al frente de los mandos técnicos del estudio y ser al mismo tiempo el guitarrista del grupo, ¿cómo logra distanciarse de su rol de músico para juzgar objetivamente la producción, y por qué decidisteis huir de los estándares modernos de edición digital y retoques artificiales?

(Paco Delgado) Creo que la experiencia es la clave. Llevo muchos años grabando no solo a mis propias bandas, sino también a grupos de estilos muy diferentes, y eso te obliga a aprender a escuchar la música desde fuera. Cuando estoy en la sala de control intento dejar de pensar como guitarrista y ponerme el sombrero de productor: lo importante no es si mi guitarra suena más grande, sino si la canción funciona en conjunto y cada instrumento ocupa su sitio.

También ayuda mucho nuestra forma de trabajar. Durante casi tres años fuimos desarrollando las canciones directamente en Sonic Riot Studio. Antes de grabar el disco definitivo ya teníamos una demo completa, y fue ahí donde empezamos a tomar muchas de las decisiones sobre el sonido que buscábamos. Cuando llega el momento de la grabación, gran parte del trabajo creativo ya está hecho y las decisiones se toman pensando en la identidad del disco, no en el ego de cada músico.

En cuanto a la edición digital, no somos talibanes de lo analógico. El disco se ha grabado en un DAW y, por supuesto, hemos utilizado herramientas de edición cuando han sido necesarias para corregir pequeños detalles. La diferencia está en el enfoque: usamos la tecnología para mejorar una buena interpretación, no para fabricar una interpretación perfecta. No queríamos ese sonido extremadamente editado que se ha vuelto habitual en muchas producciones de metal moderno.

Un buen ejemplo es la batería. No utilizamos samples porque queremos conservar el carácter y la dinámica de la interpretación real. En lugar de sustituir sonidos, invertimos el tiempo en trabajar la acústica de la sala, la afinación del instrumento, la colocación de los micrófonos y la elección del equipo. Nuestra filosofía siempre ha sido intentar que el sonido grabado en crudo esté lo más cerca posible del resultado final. Si la fuente ya suena bien, después hace falta mucho menos retoque y el disco mantiene esa sensación de organicidad, peso y honestidad que era exactamente lo que buscábamos.

El 14 de marzo de 2026, mientras finalizábais las tomas de batería del álbum, coincidisteis en el estudio con Flemming Rasmussen. Aunque vuestra música camina por senderos más extremos que los de los primeros trabajos de Metallica, ¿qué supuso para el grupo compartir espacio con una leyenda de la producción analógica y cómo influyó esa atmósfera en el resultado final del disco?

(Paco Delgado) Fue una anécdota muy curiosa y un recuerdo que nos llevaremos siempre. Mientras estábamos grabando el disco, un amigo nos avisó de que Flemming Rasmussen iba a hacer un meet & greet en un estudio de Barcelona. Enric y yo no nos lo pensamos dos veces y fuimos a conocerlo.

Los dos somos muy fans de Metallica, especialmente de la etapa de Ride the Lightning, Master of Puppets y ...And Justice for All, así que poder hablar unos minutos con la persona que estuvo detrás de esos discos fue muy emocionante. Para cualquiera que disfrute de las producciones analógicas es una figura de referencia.

La coincidencia de conocerlo precisamente mientras estábamos inmersos en la grabación de Unique And Eternal hizo que el momento fuera todavía más especial. Evidentemente, Flemming no participó en el disco ni influyó directamente en su producción, pero sí fue una experiencia muy inspiradora. De alguna manera reforzó nuestra convicción de seguir apostando por un sonido orgánico, basado en buenas interpretaciones, buenos amplificadores, una batería real y el menor número posible de artificios. Salimos de allí con más ganas todavía de terminar el disco tal y como lo habíamos imaginado desde el principio.

Vuestro segundo single, "The Soul Devourer", combina pasajes de notable exigencia técnica con atmósferas muy lúgubres que ya han llamado la atención en programas especializados como El Sótano. ¿Cómo definiríais la arquitectura interna de esta canción y por qué estimais que representa de manera fidedigna la evolución sonora global que los oyentes encontrarán en Unique and Eternal?

(Enric Bergadà) The Soul Devourer es la canción que más cambios sufrió estructuralmente desde su versión original. De esa primera demo solo se mantuvieron el estribillo y la parte más pesada y atmosférica, con voces limpias, porque era lo único que realmente nos convencía. Las intros, las estrofas y los puentes se compusieron de nuevo. Fue un trabajo quirúrgico, pero al final conseguimos encontrar una coherencia entre lo nuevo y lo viejo.

La canción empieza con una base rítmica contundente, con un juego de caja y timbales, algo que queríamos explorar más en este disco, acompañando el riff de la estrofa. Después la batería pasa a un ritmo más cercano al death metal, y la canción va evolucionando hacia pasajes más rockeros y punk, hasta llegar a un estribillo con una clara influencia heavy metal, para después volver a esa dinámica de cambios. Más adelante aparece ese pasaje más lento y denso que detiene el tema y le da otro plano.

Algo interesante de esta canción es que no está construida únicamente desde la visión de un solo compositor, sino que hay varias manos implicadas, y eso la hace más híbrida, porque se aportan distintas formas de componer.

Para la edición física de Unique and Eternal habéis vuelto a confiar en una alianza cooperativa de sellos independientes, involucrando a Hell on Earth, Brunzit Records y Metal Savants. En una época marcada por el consumo efímero e intangible de la música en plataformas de streaming, ¿qué importancia sigue teniendo para vosotros la supervivencia de estos pequeños sellos independientes y la resistencia del formato físico como el vinilo?

(Javi Guerrero) Nosotros somos melómanos y crecimos en una época en la que el formato físico era lo único que existía. Podías comprar un disco al mes con suerte, muchas veces lo hacías guiándote por la portada o el hermano de un colega te grabava una cinta de 90’ con aquellos discos que tanto ansiabas. En definitiva, te lo tenías que currar. A día de hoy todo eso ha quedado muy lejos, la cultura de la inmediatez es la que manda y tenemos tal sobredosis de información que cuesta procesar, valorar y disfrutar la música como es debido. Aún así seguimos siendo coleccionistas, comprando música y de ahí que apostemos por el formato físico, de lo contrario no le veríamos sentido al hecho de tener una banda.

Además, los cuatro venimos de la cultura DIY(hazlo tú mismo) del hardcore punk, donde la autoedición es lo más habitual, ya sea a través de las propias bandas o a través de la cooperación de pequeños sellos amigos, como es nuestro caso. Así es como hemos funcionado hasta el día de hoy y dudo que eso cambie, ya que consideramos que para nosotros es la mejor opción.

A finales de junio de 2026, la banda tuvo que suspender su concierto en La Deskomunal junto a Sayon y Tort por motivos de salud, siendo reemplazados por Ofensa. ¿Cómo gestiona el grupo este tipo de contratiempos en una escena tan exigente a nivel físico y cómo dialoga esta experiencia de vulnerabilidad con el propio concepto de resiliencia y reconstrucción que vertebra el nuevo disco?

La verdad es que en este caso no fue por un problema de salud de ningún miembro de la banda, sino porque uno de nosotros tuvo que cuidar de un familiar. Son situaciones que pueden surgir y, cuando pasan, tenemos muy claro que lo primero es estar al lado de los seres queridos. Todo lo demás pasa a un segundo plano.

El próximo 23 de septiembre de 2026 os presentaréis en la sala Razzmatazz 3 de Barcelona junto a Ósserp, un concierto que promete ser uno de los hitos de la música extrema en la ciudad este año. ¿Qué estáis preparando para este concierto de presentación oficial de Unique and Eternal y cómo visualizáis el futuro inmediato de Avern una vez que el disco esté completamente en manos de vuestros seguidores?

(Javi Guerrero) Bueno, tanto como un hito no sé si será, pero seguro va a estar bien (risas). Nos hace especial ilusión presentar disco con Ósserp, ya que son una banda con la que tenemos amistad desde hace años y dió la casualidad de que ellos buscaban también fecha para presentar su nuevo ep, así que perfecto!

Además el concierto coincide con las fiestas de la Mercè y supone una alternativa a la agenda de dichos festejos, que aunque tiene mucha música en directo si por algo se caracterizan es por la ausencia total de metal y demás propuestas extremas en su programación.

Tenemos muchas ganas de que salga el disco el 1 de septiembre y poder compartirlo con todos y todas. Esperamos que la gente lo disfrute.

Muchas gracias por la entrevista.